会意山川真若画 心通翰墨似传神 ——王朝闻书法作品的美学意蕴与时代回响

肖大齐

   在四川省诗书画院馆藏作品展的众多珍品中，时年85岁的王朝闻先生于1994年为诗书画院十周年院庆所作的行书作品“会心山水真如画，妙手丹青画似真”，以其独特的艺术风貌与深邃的思想内涵，成为展品中极具分量的一件作品。这不仅是一幅纪念性的书法题词，更是一位美学家以笔墨为媒介，对其毕生美学理念的凝练表达与实践印证。作品由大字联语、长篇题款与印章三部分构成，形式完整，内容丰赡，既是个人艺术修养的结晶，也是二十世纪末中国艺术理论与创作关系的生动缩影。

文辞意蕴：“会心”之境的哲学建构

  作品正文“会心山水真如画，妙手丹青画似真”十四字，看似平实，实则蕴含着王朝闻美学思想的核心命题。“画似真，真似画”是明代文学家、思想家杨慎的核心艺术论断，集中体现了他对艺术真实与自然美感辩证关系的深刻思考。二十世纪中国画改革运动中，徐悲鸿等人重新发掘该命题的现代意义，将其与西方写实主义绘画理论结合，探索中国画的现代化转型。构建了一个关于艺术创造与审美感知的双向循环。

  “会心山水真如画”一句，从审美接受的角度出发，强调主体精神在艺术感知中的能动作用。这里的“会心”是指心灵与景物之间产生共鸣，诗人的心灵与大自然的山水景色达到了一种深刻的契合。这句诗描绘了诗人面对壮丽的山水时所产生的内心感受，仿佛眼前的自然景色就是一幅精心构思的画卷，展现出诗人对自然美的深刻体验和艺术化表达。这不仅仅是对自然美的直观欣赏，更是一种心灵上的感悟和艺术境界的升华。王朝闻在题款中特意点明：“其中会心二字代表诗人书画家与观赏者之审美素养”，将“会心”从个体的审美体验，提升为一种普遍的、可培养的审美能力。在他看来，自然山水本无“如画”之说，唯有具备一定审美素养的观者，才能在特定情境下与山水“会心”，从而在心灵中将其转化为“真如画”的艺术意象。这种观点，与他长期倡导的“美在关系”理论一脉相承——美并非孤立存在于客体之中，而是产生于主体与客体相互作用的关系网络里。

 “妙手丹青画似真”，则转向艺术创作的维度。这一句是对艺术家高超技艺的赞美，其中“妙手”指的是技艺高超的画家，是对艺术家技艺与才情的赞美。“丹青”是中国传统绘画中常用的颜料，代指绘画艺术。“画似真”则表明了画家的技艺达到了以假乱真的地步，使得画作中的山水景色栩栩如生，如同真实存在一般。这里的“真”，并非对客观物象的机械复制，而是指艺术作品所呈现的生命感、神韵与内在真实。这里表达了诗人对于艺术创作的高度评价，认为真正的艺术作品能够捕捉并再现自然之美，达到与现实无异的艺术效果，体现了中国传统艺术追求形神兼备、意境深远的美学理念。王朝闻在美学研究中反复强调，艺术的“真”在于“传神”，在于把握对象的本质特征与精神气质。因此，“画似真”实则是对艺术家“迁想妙得”能力的最高褒奖。

  合二句观之，构成一个完整的艺术创造与审美感知的艺术闭环：自然山水因“会心”而“如画”，艺术作品因“妙手”而“似真”。这一循环揭示了艺术活动的本质——它既是主体对客体的能动反映，也是客体对主体的精神召唤。创作者以“妙手”捕捉“会心”所得，观赏者则以“会心”去解读“妙手”所创。王朝闻以一副对联，精妙地勾勒出艺术创作与艺术接受之间动态互动的图景，展现了其作为理论家的深刻洞察力。

书法艺术：笔墨中的气韵与修养

  作为一件书法作品，其艺术价值不仅在于文辞内容，更在于笔墨语言所承载的形式美感与精神气质。王朝闻虽以美学家名世，但其书法实践根植于深厚的传统功底与长期的笔墨锤炼，形成了独具一格的艺术风貌。

（一）笔法：以篆隶为骨，行草为韵

  王朝闻一九八六年回合江，曾多次现场作书，纯用散锋，几乎不聚毫。起笔多“逆入平出”，行笔提按幅度极小，线条边缘呈毛涩的“破墨”效果，与传统帖学“锥画沙”“屋漏痕”之圆润正成反差。这种“破”与“毛”并非技术失控，而是有意让笔锋分叉，使纸面出现飞白，形成“虚”与“实”的微观对比。

  这幅作品大字联语以行书为主，兼有楷、草笔意，整体风格浑厚朴拙，气韵生动。其笔法最显著的特征是“以篆隶为骨”。细观“会”“心”“山”“水”等字，起笔多藏锋逆入，行笔沉实稳健，线条圆劲饱满，富有篆书的“玉箸”质感。转折处多圆转而少方折，如“画”字的横折与“青”字的末笔，皆以篆籀笔法出之，使字形显得古朴厚重。同时，作品又融入了隶书的波磔（指的是汉字书写中的一种笔法，在隶书和楷书中较为常见）意趣，如“真”字末笔的捺画，舒展而有力，略带“燕尾”之势，增强了字形的开张感与节奏感。这种以篆隶为根基的笔法，赋予作品一种沉雄博大的金石气息，与“会心山水”的宏大主题相得益彰。

  题款部分则以行草书写，笔势更为流畅灵动。笔画之间牵丝映带，连绵不断，如“恭逢四川省诗书画院”数字，一气呵成，展现出娴熟的控笔能力。然而，其流畅中又见顿挫，如“记录”二字，笔画短促有力，节奏分明，避免了行草易流于油滑的弊病。这种“疾涩相生”的笔法，正是其艺术修养的体现——既有文人书写的才情，又不失学者书写的严谨。

（二）结构：平中见奇，疏密有致

  这幅作品单字重心普遍下移，横画多朝右上欹侧5—8度，竖画却向内凹收，形成“驼背”式体态。这种“丑”味，正是傅山“宁丑毋媚”的当代回声。但王朝闻的“丑”不野、不怪，而是带着老人骨骼的“松”与“皱”，像一块被岁月风化的老柏，扭曲里见苍劲。

  王朝闻追求“平中见奇”的美学效果。大字联语整体取纵势，字形略长，重心平稳。但细究单字，又可见其匠心独运。如“会”字，上部“人”字头宽博，覆盖下方“云”部，形成上疏下密的对比；“妙”字“女”旁窄短，与“少”部的舒展形成错落；“画”字内部结构紧凑，而外部轮廓开阔，疏密对比强烈。这些处理，使字形在端庄中不失生动，于平正中蕴含奇崛。

  题款小字则更显自由。字形大小错落，或正或欹，如“不知诸友以为然否”一句，字形由大渐小，末字“否”略作收敛，形成自然的视觉收束。行气上，字与字之间连贯呼应，行与行之间疏密得当，整体布局既严谨有序，又富有节奏变化，如同一篇流动的散文诗。

（三）章法与墨法：虚实相生，气脉贯通

  这幅作品的章法布局极具匠心。大字联语居右，墨色浓重，字大如拳，如中流砥柱，气势雄浑；题款长跋居左，字小如豆，墨色由浓渐淡，形成强烈的虚实对比。这种“大字主联，小字长跋”的经典形式，不仅平衡了画面，更在视觉上引导观者的阅读顺序：先被大字的雄强气势所吸引，再循着题款的墨迹，深入其思想的腹地。

整幅作品以“淡墨”为主，极少重按。王朝闻采用“破墨法”——先在笔根蘸清水，再轻蘸少许浓墨，使水与墨在笔锋内自然博弈；落纸后，边缘渗化出淡灰色的“晕圈”，与中心较浓的线骨形成“双重轮廓”。这种“晕圈”在“心”“真”两字周围尤为明显，仿佛水墨动画里的“光效”，把“心真”这一抽象理念转译为可视的“墨气”。

墨法上，作品呈现出丰富的层次。大字用墨饱满，浓黑如漆，彰显其庄重与肯定；题款则墨色变化丰富，起始处浓重，中段渐淡，至末尾处略显枯笔，如同情感的自然流淌。这种“墨分五色”的运用，使作品在黑白之间产生了丰富的视觉韵律，增强了艺术表现力。

题款深意：美学家的自省与共勉

  题款部分是理解此作品的关键。王朝闻写道：“恭逢四川省诗书画院十周年成立纪念，不顾自己用笔是否能免（强）鬼画符之记录，杨慎名言二句以共勉。”这段文字，谦逊中见真诚，自省中含深意。

  “鬼画符”一词，是合江的地方方言，王朝闻自谦笔墨粗陋，实则反衬出其对艺术的敬畏之心。他不以书法家自居，却以“妙手丹青”来期许艺术家，这种反差恰恰体现了其“艺术为人生”的美学立场——艺术的价值不在于技巧的炫耀，而在于精神的传达。他引用明代大儒杨慎的诗联（虽未明言具体何句，但“共勉”之意已明），表明其创作目的并非个人炫技，而是与同道共同探讨艺术的真谛。

  “其中‘会心’二字代表诗人书画家与观赏者之审美素养，不知诸友以为然否”一句，更是点睛之笔。他将“会心”这一审美体验的核心，定义为一种“素养”，这便将审美从天赋的灵光，转变为可学习、可培养的能力。这与他一生致力于美学普及、倡导艺术教育的思想完全一致。他以提问“不知诸友以为然否”作结，以平等、开放的姿态邀请观者参与讨论，打破了传统文人“自说自话”的封闭性，展现了现代知识分子的公共意识。

文化价值：传统文脉的现代传承

  王朝闻一生跨越雕塑、美学、书法三域，其书风并非无源之水。

  第一次跨越是1930—40年代，从“泥塑”到“形神”。他早年杭州国立艺专习雕塑，受业于刘开渠，旋赴延安鲁艺。雕塑训练使他养成“整体观照”与“团块意识”，这被他后来移植到书法：字不是“线”，而是“体”；每字都是一个可360度转观的“小雕塑”，所以他的行草书极少出现单薄的“线飘”，而总带着“体”的厚度。

  第二次跨越是1950—70年代，从“艺术”到“美学”。他主持《美术》杂志，撰写《新艺术创作论》，提出“审美关系”说，强调“主体与对象在特定情境中的双向建构”。这一理论沉淀为书法中的“情境空白”——他不再把空白当“布白”的技术手段，而当“审美关系”的生成场：空白越大，观众越被迫“卷入”与字的对话。

  第三次跨越是1980—90年代，从“美学”到“人生”。晚年他经历丧偶、目疾、骨折，却写下《审美谈》（人民出版社1984年首次出版，是一部以“审美关系”为核心的随感录式美学专著）等大量随笔。书法成为“自我治疗”：目力不济，便不计较点画精到；腕力衰退，便顺势用“破锋”写“松”；生命进入“衰年”，却反向激发出“童真”——他故意把字写得“歪歪扭扭”，像儿童学字，却歪中有正，扭中见骨。这种“衰年变法”与黄宾虹、齐白石、朱屺瞻的“晚岁粗服乱头”一脉相承，但王朝闻比他们多了“理论自觉”：他明确把“丑”“松”“破”当作对抗“馆阁甜熟”的文化策略，让书法回到“人格真实”而非“形式完美”。

  王朝闻先生的这幅作品，是其生命进入“衰年”而现场创作，其文化价值远超其作为一件书法艺术品的本身，它是中国传统文人艺术精神在二十世纪的延续与新生。

  首先，它践行了“诗书画印”一体的传统。作品集楹联、长篇题跋、书法艺术与个人印章于一体，完整体现了传统文人艺术的综合形态。尤其题跋中对“会心”的理论阐释，使作品超越了单纯的技艺展示，成为“以书载道”的典范。

  其次，它体现了“理论与实践”的高度统一。王朝闻先生是新中国马克思主义美学的奠基人之一，其理论著作等身。而这幅作品，则是其“知行合一”的实践。他不满足于在书斋中构建美学体系，更以笔墨亲身参与艺术创造，使理论在实践中得到检验与升华。这种“艺舟双楫”（理论与实践并重）的追求，为当代艺术工作者树立了榜样。

最后，它承载了特定的时代记忆。作品创作于一九九四年，正值中国社会深刻变革的时期。在艺术领域，西方现代思潮涌入，传统艺术面临挑战。王朝闻先生以这样一件作品，重申了中国艺术“会心”“传神”的核心价值，既是对传统的深情回望，也是对未来的坚定守望。它提醒我们，无论时代如何变迁，艺术对精神境界的追求，对人与世界和谐关系的探索，始终是其不朽的主题。

在“会心”处见真章

  在技术复制时代，“写得好”已不再是难题，AI甚至可以生成“几可乱真”的《兰亭》。王朝闻的这幅作品启示：

  未来书法的竞争，将不再是“精度”，而是“人格厚度”；不是“形式完美”，而是“生命真实”；美学必须“回到手感”。如果一门美学课不能让学生“手痒”，不能让他们在纸上、在泥里、在身体里“做出”一个形式，它就永远只是“知识”而非“教养”；

  王朝闻用“衰年变法”示范，社会应把老年视为“第二次青春期”，为其提供“转换”而非“补偿”的通道——当视力衰退，可以学“淡墨”；当腕力减弱，可以练“松锋”；当记忆下降，可以转写“童稚”。只要“转换”机制在场，“老化”就能成为“造化”；

   王朝闻的作品提供了一种“微观路径”，让传统笔墨与当代理论“互释”，让“形式”与“思想”互证，让“老年”与“童年”互通。只有当传统成为“可感、可养、可生长”的日常实践，它才真正“活”着，而不仅仅是“被保护”的遗产。

  王朝闻先生的这幅书法作品，如同一座桥梁，连接着理论与实践、传统与现代、艺术家与观赏者。它以“会心”为钥，开启了理解中国艺术精神的大门。当我们凝视这幅作品，我们看到的不仅是笔墨的痕迹，更是一位美学家用生命书写的艺术箴言：

  “真正的艺术，始于“会心”的感动，成于“妙手”的创造，最终在观者“会心”的瞬间，完成其生命的循环。”

  这或许就是王朝闻留给我们最宝贵的启示——在喧嚣的时代里，守护那份与美“会心”的能力，便是守护我们精神的家园。（插图由贾雨田提供）

  作者简介：肖大齐，中国楹联学会理事，四川省文艺促进会、楹联学会常务理事。四川省文艺评论家协会、作家协会会员。